Segunda parte de las obras orquestales de Giacinto Scelsi.
1. Quattro Pezzi I
2. Quattro Pezzi II
3. Quattro Pezzi III
4. Quattro Pezzi IV
5. Anahit
6. Uaxuctum I
7. Uaxuctum II
8. Uaxuctum III
9. Uaxuctum IV
10. Uaxuctum V
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1. Como Una Ola De Fuerza Y Luz: Beginning
2. Como Una Ola De Fuerza Y Luz: I. Interno Dolce
3. Como Una Ola De Fuerza Y Luz: II. Duro Deciso
4. Como Una Ola De Fuerza Y Luz: Piano Entry
5. Como Una Ola De Fuerza Y Luz: III. Dolcissimo Sereno
6. Como Una Ola De Fuerza Y Luz: Orch Entry
7. Como Una Ola De Fuerza Y Luz: Orch And Pno Entry
8. .....Sofferte Onde Serene...
9. Contrappunto Dialettico Alla Mente
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"El mundo más bello no es sino un puñado de desperdicios echados a voleo" afirmaba Heráclito de Efeso (540-480 a.C.), apodado el oscuro. Quien le iba a decir que transcurridos más de dos milenios, gran parte de sus explicaciones científicas acerca del universo harían plausibles su tremenda sentencia. Más habría aumentado su asombro al conocer la existencia de un músico, también de origen helénico, que haría del pensamiento heracliteano la base de su creación artística. De este modo, sonidos y cálculos de probabilidades, forman y desarrollan el universo acústico de Iannis Xenakis. El siglo XX es el siglo de las nuevas músicas. Aunque hubo también revoluciones musicales en otros períodos, la ruptura con la tradición histórica no fue nunca tan radical, debido fundamentalmente al rechazo de la tonalidad iniciada por Arnold Franz Walter Schönberg (1874-1951), hasta llegar al completo abandono del concepto tradicional de música (i.e. John Milton Cage / 1912-1992). El siglo XX ha cultivado una variedad de estilos en la música mucho mayor que la de cualquier otro período anterior. A ello contribuye la conservación del abundante patrimonio musical, el progresivo contacto con la música de otras culturas y la posibilidad de escuchar música en diversos soportes. La música refleja también en esta pluralidad el espíritu de la época, si es que aún puede hablarse de tal a la vista de su diversidad.
Iannis Xenakis nació en Bráila (Rumania) en 1922 en el seno de una familia de ascendencia griega. Es, por ello, que en 1932 se traslada a vivir a Grecia. Desde su más temprana juventud, Iannis Xenakis fue especialmente sensible hacia la música que lo rodeaba: el folklore autóctono, el arte de inspiración bizantina, los grandes clásicos centroeuropeos. Y sin embargo, se matriculó en la Escuela Politécnica de Atenas para atender a su otra vocación: la ciencia. Su formación se vio bruscamente interrumpida por la Segunda Guerra Mundial (concretamente con la invasión de Grecia por los ejércitos italiano y alemán). El joven Xenakis participó activamente en la resistencia comunista sufriendo heridas muy graves en una acción bélica acaecida cuando la contienda tocaba a su fin. Además, fue capturado y sentenciado a muerte, escapando afortunadamente antes de que se hiciese efectiva dicha condena.
Iannis XenakisTerminado el conflicto, Iannis Xenakis se traslada a París en 1947 adquiriendo la nacionalidad francesa, dispuesto a impregnarse de ciencia y arte a partes iguales. El inquieto espíritu de Iannis Xenakis necesitaba varios campos de acción para sentirse satisfecho. Así, formo parte del equipo de colaboradores del famoso arquitecto Charles-Édouard Jeanneret Le Corbusier (1887-1965) de 1948 a 1960, estableció estrechos contactos con Arthur Honegger (1892-1955), Darius Milhaud (1892-1974), el director de orquesta Hermann Scherchen (1891-1966) y, por encima de todos ellos, por afinidad de ideas, con Olivier-Eugène-Prosper-Charles Messiaen (1908-1992). Los primeros frutos de su inventiva no se hicieron esperar. En la esfera de la arquitectura, proyecto el convento de La Tourette (observando con meticulosidad los aspectos acústicos del edificio) y el Pabellón Philips de la Exposición de 1958 celebrada en Bruselas. En el ámbito musical, sorprendió a propios y extraños con sus experimentos con la música estocástica a partir de 1954: "Metástasis" para la que utilizó cálculos procedentes de sus trabajos arquitectónicos, "Pithoprkta", "Terretêtorh", etc... Además fundó la Escuela de Música Matemática y Automatizada en París en 1966, enseñando allí y en la Universidad de Indiana, donde fundó un centro similar.
Desde aquellos años hasta hoy en día, Iannis Xenakis colecciona un catálogo musical rico en calidad y cantidad, sujeto a la alabanza y a la crítica, al aplauso entusiasta de unos y al desdén o la indiferencia de otros. Su obra ofrece un itinerario estético muy singular desde el que colabora activamente con algunas iniciativas vanguardistas: la música concreta de Pierre Schaeffer, la informática musical, pero nunca con los defensores del serialismo. Iannis Xenakis.
A diferencia de la mayor parte de los compositores europeos más avanzados de comienzos de la década de 1950, Iannis Xenakis no estuvo influido por el serialismo porque, tal como comentó en su artículo "La crise de la musique sérielle" publicado en el numero uno de Gravesaner Blaeter (1954), en este tipo de música la "polifonía lineal se destruye a sí misma por su gran complejidad", produciendo "únicamente una masa de notas en distintos registros". Iannis Xenakis concluye que la escritura serial, pensada y realizada diacrónicamente, genera fenómenos sincrónicos imprevisibles que enmascaran precisamente su carácter diacrónico. La concepción de Iannis Xenakis acerca de las configuraciones texturales complejas rechazaba, por un lado, la irracionalidad sin límite y la indeterminación, y por otro lado, trataba de incorporar la determinación y la indeterminación dentro de un esqueleto teórico más generalizado. Al buscar un tipo de casualidad apropiada a los efectos sonoros en masa, comenzó a aplicar a la música la ley de los números largos formulada por Jakob Bernouilli (1655-1705). Al mismo tiempo, intenta conceptualizar sus reflexiones en diversos escritos, algunos de los cuales están recogidos en su libro "Musiques formelles" (1963). Uno de los muchos proyectos en los que Iannis Xenakis ha participado lo constituye la fundación del C.E.M.A.N.U. (Centre d'Etudes de Mathématiques et Automatique Musicales), un grupo de intelectuales y artistas empeñados en la realización y desarrollo de un saber humanista unitario, sobre la base de una perfecta armonía entre arte, ciencia y tecnología.
En otro orden e cosas, Iannis Xenakis ha permanecido fiel a su compromiso político a favor de la libertad y la tolerancia, de ahí el mensaje ético de algunas de sus obras musicales.
La gran apuesta creativa de Iannis Xenakis se libra en las fronteras del lenguaje musical. De un lado, el magma sonoro puro, libre de ataduras, lanzado en forma de energía telúrica que nos envuelve en su primitiva expresividad y nos transporta al origen mismo del ser audible; del otro, el pensamiento matemático, científico, que trata de ofrecer una estructura, una red de relaciones con el que manejar la erupción volcánica del sonido. Ahora bien, esa estructura asemeja, cual metáfora cósmica, la forma en que la propia realidad de la materia linda entre el azar y la necesidad; se trata, por lo tanto, de un modelo matemático basado en las leyes de la probabilidad, la teoría de los conjuntos, el álgebra de Boole, etc.
En la obra de Iannis Xenakis, la música debe operar con los mismos instrumentos conceptuales con los que se construyen los modelos explicativos de las ciencias físicas, plataformas teóricas que intentan explicar débilmente lo que deviene de forma vertiginosa. Dicho lo cual, el mejor modo de comprobar la intención creativa de Iannis Xenakis no puede ser otro que el de acercarse a su música. Ante ella, más allá de consideraciones estéticas, el oyente se enfrenta a vastísimos espacios sonoros, cargados de fuerza expresiva delicadamente poéticos o violentamente brutales; en ellos no operan las claves de análisis procedentes de la música tonal, modal, serial... se trata de algo nuevo, distinto, se diría que algo así como un cosmos primigenio en estado de formación y desarrollo, que fluye aparentemente de forma casual, cuando en definitiva, ha sido construido por una mente matemática con intenciones artísticas. La capacidad de escucha global es decisiva para asumir la experiencia fructífera de escuchar a Iannis Xenakis.
Partitura para Mycène alpha de Iannis XenakisCon respecto a la obra de Iannis Xenakis, el capítulo orquestal es el más numeroso y se inicia con "Metástasis" (1953-1954) basado en los efectos producidos por una lluvia de glissandi en una orquesta de sesenta y un instrumentistas, cada uno con su parte individual, que dibujan literalmente manchas sonoras llenas de colorido. "Pithoprakta" (1955) es una obra concebida con toda la pureza del método estocástico en la que se mezclan diversos modos de atacar un sonido hasta formar diversos bloques sonoros, como nubes de sonidos que determinan la narrativa musical. "Achoripsis" (1965) es otro ejemplo de la aplicación exhaustiva del calculo de probabilidades, esta vez con un lenguaje más tradicional. "Duel" (1959) es toda una experiencia típicamente xenakiana, dos orquestas en plena pugna basada en la teoría de juegos y prevista hasta cierto punto por el compositor mediante un catálogo de posibilidades de acción sonora que los directores pueden llevar a la practica, siempre según los imperativos del dialogo musical. "Terretêtoh" (1965) y "Nomos Gama" (1967) se centran en la música espacial en sentido estricto, ya que una orquesta de mas de ochenta músicos se confunde con el publico para proporcionar una experiencia sonora personalizada. En los últimos tiempos, Iannis Xenakis ha ido introduciendo elementos rítmicos y un mayor juego de contrastes en la escritura orquestal, tal es el caso de "Roai" (1991).
Works for piano de Iannis Xenakis En las obras de índole pianística, Iannis Xenakis también ofrece obras de gran interés, entre las que deben subrayarse "Evry Ali" (1974), ejemplo de la vocación expansiva de su autor y "Herma" (1960), un viaje auditivo basado en células sonoras que se oponen constantemente. La inagotable imaginación de Iannis Xenakis le ha llevado a utilizar el piano en diversos cometidos, por ejemplo en "Eonta" (1964) para proporcionar un fondo de resonancias armónicas. También aparece el piano en algunas de sus grandes obras orquestales: "Synaphai" (1969) con una notación pianística muy original, pensada para lograr efectos rítmicos y tímbricos; "Erykhton" (1974) en la que el propio autor señala que ha de interpretarse sin tomar aliento, como si de un estallido se tratase; y la mas interesante desde mi punto de vista "Keqrops" (1986) en la que el lenguaje de Iannis Xenakis sin perder un ápice de su proverbial fuerza, se enriquece y diversifica con contrastes timbricos.
Iannis Xenakis - PléïadesUna de las constantes en las obras de Iannis Xenakis es su atención al universo sonoro de la percusión. En una actitud que tiene difícil parangón con otros compositores coetáneos, se diría que Iannis Xenakis nos toma de la mano y nos muestra todo lo que se puede hacer y expresar con las percusiones; quizás la mejor introducción a este tipo de obras sea: "Pléïades" (1979). Aunque si bien es cierto los críticos suelen destacar "Persephassa" (1970) concebida sobre la diversa configuración de tres grupos de instrumentos en constante juego, o "Psappha" (1976) para un solo instrumentista, y una obra de excepcional virtuosismo. "Okho" (1989) completa este peculiarísimo apartado creativo.
Desde 1956 Iannis Xenakis ha podido trabajar con los ordenadores del Centro de Investigaciones de IBM en Francia, y de allí han surgido obras en las que se aplicaban programas informáticos como "ST/4-1,080262" (para cuarteto de cuerda, un homenaje a Blaise Pascal (1623-1662)), "ST/10-1,080262" (para diez instrumentos según distribuciones gaussianas), "St/48" (para cuarenta y ocho instrumentos), todas ellas de finales de los años cincuenta. Modelización de un fragmento de ST/4-1,080262Al mismo tiempo, Iannis Xenakis se interesó por el campo de la electroacústica realizando obras como "Diamorphoses" (1957) y "Orient-Occident" (1960), un continuum sonoro de hechura vigorosa que va trasformándose de forma paulatina. De este apartado cabe destacar una obra emblemática "Kraanerg" (1968) para cinta pregrabada y grupo instrumental de ventitres ejecutantes, que surge como reflexión sonora sobre los acontecimientos históricos de 1968, y en suma, nos brinda el lado más humanista de un músico siempre comprometido con la acción social. También destacaría "La légende d'eer", donde se hace patente en múltiples momentos la vena filosófica de Iannis Xenakis.
Entre su música vocal destacan "Aïs" (1980) para barítono solo y orquesta, una obra de extraordinario lirismo; "Nuits" (1967) para dos voces mixtas, en las que las voces sin palabras son capaces de comunicar un mensaje de claro contenido filantrópico y "Orestiada" (1965) compuesta por Iannis Xenakis a partir del texto de Esquilo. En esta ultima se combina una escritura vocal de extrema dificultad con un trabajo rítmico impactante.
Si bien la complejidad técnica de las obras de Iannis Xenakis las hace accesibles solamente a aquellas personas con unos conocimientos matemáticos muy extensos, el impacto de su música es, para muchos, instantáneo. De hecho, Iannis Xenakis señaló que los teoremas matemáticos que utiliza son leyes universales y, por lo tanto, cuando se trasladan a términos musicales son totalmente comprensibles para cualquiera que los escuche con un cierto interés.
Por Crypt Vihâra
1. Pleiades: Melanges
2. Pleiades: Metaux
3. Pleiades: Claviers
4. Pleiades: Peaux
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Love es un disco recopilatorio y de banda sonora de The Beatles, publicado el 21 de noviembre de 2006. Contiene mixes y compilaciones hechas por el Cirque du Soleil para un show del mismo nombre. Fue producido por Sir George Martin, y su hijo Giles.
George Harrison gustaba del circo canadiense "Cirque du Soleil"; en vida mantenía una amistad personal y profesional con el fundador del espectáculo, Guy Laliberte. Antes de morir llegó a un acuerdo con el resto de Los Beatles, Paul McCartney y Ringo Starr, además de Yoko Ono, en montar un show para el circo en que el centro no fuera la vida de Los Beatles, sino los abigarrados personajes que los músicos crearon a lo largo de su discografía.
Para este proyecto la empresa Apple, junto a Cirque du Soleil, encargaron a Sir George Martín, retomar el papel de productor para llevar a cabo el deseo del difunto Beatle, posteriormente se incorporó la empresa Mirage, de Las Vegas, a fín de realizar la primera presentación de Love, durante 2006. El deseo original era hacerlo en Londres o Nueva York, pero eventos de fuerza mayor no lo hicieron posible.
El proyecto Love tomó 2 años, en que George Martin trabajó junto a su hijo Giles, como ingeniero de sonido y en el se utilizó únicamente material original de Los Beatles. Este proyecto sería la primera grabación de Los Beatles realizada originalmente con la tecnología DTS 5.1. Sería también la primero incursión de los Beatles en el teatro, proyecto que siempre animó a los músicos, pero que nunca se pudo culminar.
Más que una recopilación de la música de los Fabulosos Cuatro, esta es una reedición de sus conocidos temas teniendo en perspectiva la impresionante creatividad y vitalidad del circo-teatro. Yoko Ono diría "Los Beatles y el Cirque. Creo que es una combinación excelente: la agilidad mental de los Beatles y la agilidad corporal del Cirque", en referencia a las acrobacias y efectos visuales que caracteriza este show.
Para el mezclado y edición se utilizaron las mismas técnicas que empleó el quinteto (los 4 Beatles y Martin) en su creaciones, solo que utilizando las tecnologías actuales. Ejemplo de esto es el tema Gnik Nus que es el tema "Sun King" del álbum "Abbey Road" tocado el revés.
Cada tema ha sido mezclado incorporando partes de otros temas en perfecta armonía, en algunos se han doblado pasajes a fin de crear algún ambiente o atmósfera, en otros se han ralentizado o acelerado las voces, también se encuentran trozos que se alargan en el tiempo, en especial las transiciones entre un tema y otro, parte necesaria en presentaciones en vivo en que se pasa de una temática a otra y es necesario cambiar los escenarios.
Los que han tenido la oportunidad de escuchar la versión en 5 canales DTS, habrán descubierto sonoridades que se perdían en las mezclas de 2 canales o stereo.
Este disco será difícil de asumir para los nostálgicos y puristas de la creación de los Beatles, pero será una maravillosa experiencia para los amantes de la creatividad y originalidad del cuarteto de Liverpool, sobre todo si el trabajo lo realizó quien tiene la autoridad para realizar un proyecto así y que siempre fue considerado un Beatle más, como es Sir George Martin.
Trailer:
1. Because
2. Get Back
3. Glass Onion
4. Eleanor Rigby/Julia (Transition)
5. I Am The Walrus
6. I Want To Hold Your Hand
7. Drive My Car/The Word/What You're Doing
8. Gnik Nus
9. Something/Blue Jay Way (Transition)
10. Being For The Benefit of Mr. Kite!/I Want You (She's So Heavy)/Helter Skelter
11. Help!
12. Blackbird/Yesterday
13. Strawberry Fields Forever
14. Within You Without You/Tomorrow Never Knows
15. Lucy in the Sky With Diamonds
16. Octopus's Garden
17. Lady Madonna
18. Here Comes The Sun/The Inner Light (Transition)
19. Come Together/Dear Prudence/Cry Baby Cry (Transition)
20. Revolution
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1. Symphony No. 1/I. Allegro
2. Symphony No. 1/II. Adagio molto (sostenuto)
3. Symphony No. 1/III. Scherzo. Vivace
4. Symphony No. 1/IV. Allegro molto
5. Sweet By and By
6. Beulah Land
7. Ye Christian Heralds (Missionary Chant)
8. Jesus, Lover Of My Soul (Martyn)
9. Nearer, my God, to Thee (Bethany)
10. Symphony No. 4/I. Prelude. Maestoso
11. Symphony No. 4/II. Comedy. Allegretto
12. Symphony No. 4/III. Fugue. Andante moderato con moto
13. Symphony No. 4/IV. Finale. Very slowly - Largo maestoso
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1. Symphony No. 2/I. Andante moderato; II. Allegro
2. Symphony No. 2/III. Adagio cantabile
3. Symphony No. 2/IV. Lento maestoso; V. Allegro molto vivace
4. Symphony No. 3, "The Camp Meeting"/I. Andante maestoso "Old Folks Gatherin'"
5. Symphony No. 3, "The Camp Meeting"/II. Allegro "Childrens Day"
6. Symphony No. 3, "The Camp Meeting"/III. Largo "Communion"
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1. Holidays (Symphony) for Orchestra/Washington's Birthday
2. Holidays (Symphony) for Orchestra/Decoration Day
3. Holidays (Symphony) for Orchestra/The Fourth of July
4. Holidays (Symphony) for Orchestra/Thanksgiving and Forefathers' Day
5. The Unanswered Question (Revised version)
6. Central Park In The Dark
7. The Unanswered Question (Original Version)
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Henry Cowell (11 de marzo de 1897 - 10 de diciembre de 1965) fue un compositor estadounidense, teórico musical, pianista, profesor, publicador y empresario. Su contribuación al mundo de la música fue resumida por Virgil Thomson, que escribió a inicios de los años 1950:
"La música de Henry Cowell cubre un amplio rango tanto en expresión como técnica que el de otro compositor cualesquiera. Su experimentos comenzaron tres décadas atrás en ritmo, en armonía, y en sonoridades instrumentales fueron considerados por muchos como desquiciadas. Hoy son la Biblia de los jóvenes y aún, para los conservadores, "avanzadas"... Ningún compositor de nuestra época ha producido un cuerpo de obras tan radicales y tan normales, tan penetrantes y tan comprensibles. Agréguese a esta masiva producción su larga e influyente carrera como pedagogo, y los logros de Henry Cowell se harán todavía más impresionantes. No hay otra persona como él. El ser tanto fecundo como adecuado es dado a pocos."
1. Dynamic Motion
2. What's This?
3. Amiable Conversation
4. Advertisement
5. Antinomy
6. Timetable
7. The Banshee
8. Exultation
9. Tides Of Manaunaun
10. Aeolian Harp
11. Hero Sun
12. Fabric
13. Lilit Of The Reel
14. Nine Ings: Floating
15. Nine Ings: Frisking
16. Nine Ings: Fleeting
17. Nine Ings: Scooting
18. Nine Ings: Wafting
19. Nine Ings: Seething
20. Nine Ings: Whisking
21. Nine Ings: Sneaking
22. Nine Ings: Swaying
23. Slow Jig
24. The Fairy Answer
25. Set Of Two Movements: I-Deep Color
26. Set Of Two Movements: II-High Color
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1. Os Passistas
2. Livros
3. Onde O Rio E Mais Baiano
4. Manhata
5. Doideca
6. Voce E Minha
7. Um Tom
8. How Beautiful Could A Being Be
9. O Navio Negreiro
10. Nao Enche
11. Minha Voz, Minha Vida
12. Alexandre
13. Na Baixa Do Sapateiro
14. Pra Ninguem
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Alexander Nevsky, Op.78
1. Alexander Nevsky, Op.78 - 1. Russia under the Mongolian Yoke
2. Alexander Nevsky, Op.78 - 2. Song about Alexander Nevsky
3. Alexander Nevsky, Op.78 - 3. The Crusaders in Pskov
4. Alexander Nevsky, Op.78 - 4. Arise, Ye Russian People
5. Alexander Nevsky, Op.78 - 5. The Battle on Ice
6. Alexander Nevsky, Op.78 - 6. Field of the Dead
7. Alexander Nevsky, Op.78 - 7. Alexander's entry into Pskov
Lieutenant Kijé, Symphonic Suite, Op.60
8. Lieutenant Kijé, Symphonic Suite, Op.60 - 1. Naissance de Kijé
9. Lieutenant Kijé, Symphonic Suite, Op.60 - 2. Romance
10. Lieutenant Kijé, Symphonic Suite, Op.60 - 3. Noces de Kijé
11. Lieutenant Kijé, Symphonic Suite, Op.60 - 4. Troïka Chicago
12. Lieutenant Kijé, Symphonic Suite, Op.60 - 5. Enterrement de Kijé
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CD1
1. Allegro
2. Valse-Ballet 'Op.62'
3. Fantaise-Valse
4. Trois Sarabndes: 1. (Lent) (A Monsieur Conrad Satie)
5. 2. (Lent) (A Maurice Ravel)
6. 3. (Lent)
7. Trois Gymnopédies: 1. Lent Et Douloureux (A Mademoiselle Jeanne De Bret)
8. 2. Lent Et Triste (A Conrad Satie)
9. 3. Lent Et Grave (A Charles Levade)
10. Fete Donnee Par Des Chevaliers Normands En l'Honneur D'Une Jeune Demoiselle
11. Maniere De Commencement
12. Prolongation Du Meme
13. Morceau I: Lentement
14. Morceau II: Enleve Listen
15. Moreceau III: Brutal
16. En Plus
17. Redite
18. Premier Nocturne (A Madame Marcelle Meyer)
19. Deuxieme Nocturne (A Andre Salomon)
20. Troisieme Nocturne (A Madame Jean Hugo)
21. Quatrieme Nocturne (A Madame La Comtesse Etienne De Beaumont)
22. Cinquieme Nocturne (A Madame Georges Cocteau)
23. De L'Enfance De Pantagruel (Reverie)
24. Marche De Cocagne
25. Jeux De Gargantua (Coin De Polka)
26. Premier Menuet (A Claude Dubosq)
27. Idlle (A Debussy)
28. Aubade (A Paul Dukas)
29. Meditation (A Albert Roussel)
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CD2
1. Premiere Ogive (A J.P. Contamine De Latour)
2. Deuxieme Ogive (A Charles Levade)
3. Troisieme Ogive (A Madame Clement Le Breton)
4. Quatrieme Ogive (A Conrad Satie)
5. Premiere Pensee Rose + Croix
6. Air De L'Ordre
7. Air Du Grand Maitre (Le Sar Josephin Peladan)
8. Air Du Grand Prieur (Le Comte Antoine De La Rochefoucauld)
9. Prelude Du 1 Acte: La Vocation. Theme Decoratif: La Nuit De Kaldee
10. Prelude Du 2 Acte: L'Initiation. Theme Decoratif: La Salle Basse Du Grand Temple
11. Prelude Du 3 Acte: L'Incantation. Theme Decoratif: La Terrasse Du Palais Du Patesi Goudea
12. Prelude Du Nazareen
13. Prelude Du Nazareen
14. Prelude
15. A L'Occasion D'Une Grande Peine
16. Dans Laquelle Les Peres De La Tres Veritable Et Tres Sainte Eglise Sont Invoques
17. En Faveur D'Un Malheureux
18. A Propos De Saint Bernard Et De Sainte Lucie
19. Pour Les Pauvres Trepasses
20. Ou Il Est Question De Pardon Des Injures Recues
21. Par Pitie Pour Les Ivrognes, Honteux, Debauches, Imparfaits, Desagreables, Et Faussaires En Tous Genres
22. En Le Haut Honneur Du Venere Saint Michel, Le Gracieux Archange
23. Apres Avoir Obtenu La Remise De Sis Fautes
24. Prelude
25. Priere
26. Vexations
27. Reverie Du Pauvre
28. Verset Laique & Somptuex
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CD3
1. Caresse
2. Danse De Travers No.2 (Version 1)
3. Petite Musique De Clown Triste
4. The Dreamy Fish
5. Air Listen
6. Essais
7. ( - )
8. Notes
9. Notes
10. Le Prisonnier Maussade
11. Le Grand Singe
12. Exercices
13. Notes
14. Harmonies
15. Songerie Vers 'Jack'
16. Bribes
17. Choral
18. Exercices
19. Exercices
20. Exercices
21. Exercices
22. Esquisses & Sketch Montmartrois No.1. Petit Prelude De La 'Mort De Monsieur Mouche'
23. Esquisses & Sketch Montmartrois No.2 Un Peu Vif
24. Essais (Arriere-Propos)
25. Petite Danse
26. Desespoir Agreable
27. No.1 Effronterie
28. No.2 Poesie
29. Preludes Pour Un Chien: No.2 (Prelude Canin)
30. Profondeur
31. Songe-Creux
32. Passacaille
33. Prelude En Tapisserie
34. Nostalgie
35. Froide Songerie
36. Facheux Exemple
37. No.1
38. No.2
39. No.3
40. No.4
41. No.5
42. No.6a
43. No.6b
44. No.7
45. No.8
46. No.9
47. No.10
48. No.11
49. No.12 (1908-9)
50. Pas Vite
51. Tres Moderement
52. Pastorale (1912)
53. Choral
54. Fugue
55. Choral
56. Fugue Litanique
57. Autre Choral
58. Fugue De Papier
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CD4
1. Sur Un Mur
2. Sur Un Arbre
3. Sur Un Pont
4. Voix D'Interieur
5. Idylle Cynique
6. Chanson Canine
7. Avec Camaraderie
8. Severe Reprimande
9. Seul A La Maison
10. On Joue
11. Sur Un Vaisseau (A Madame Fernand Dreyfus)
12. Sur Une Lanterne (A Madame Joseph Ravel)
13. Sur Un Casque (A Madame Paulette Darty)
14. D'Holothurie (A Mademoiselle Suzanne Roux)
15. D'Edriophthalma (A Monsieur Edouard Dreyfus)
16. De Podophthalma (A Madame Jane Mortier)
17. Tyrolienne Turque (A Mademoiselle Elvira Vines Soto)
18. Danse Maigre (A La Maniere De Ces Messieurs) (A Monsieur Fernando Vines Soto)
19. Espanana (A Mademoiselle Claude Emma Debussy)
20. Celle Qui Parle Trop
21. Le Porteur De Grosses Pierres
22. Regrets Des Enfermes (Jonas Et Latude)
23. Chez Le Marchand D'Or
24. Danse Cuirassee
25. La Defaite Des Cimbres
26. Allegro - Andante - Vivache
27. Chant Guerrier Du Roi Des Haricots
28. Ce Qui Dit La Petite Princesse Des Tulipes
29. Valse Du Chocolat Aux Amandes
30. Petite Prelude A La Journee
31. Berceuse
32. Marche Du Grand Escalier
33. Etre Jaloux De Son Camarade Qui A Une Grosse Tete
34. Lui Manger Sa Tartine
35. Profiter De Ce Qu'il A Des Cors Aux Pieds Pour Lui Prendre Son Cerceau
36. Le Vilain Petit Vaurien
37. Berceuse
38. La Gentille Toute Petite Fille
39. Choral Inappetissant (Grave)
40. La Balancoire (Lent)
41. La Chasse (Vif)
42. La Comedie Italienne (A La Napolitaine)
43. Le Reveil De La Mariee (Vif, Sans Trop)
44. Colin-Maillard (Petitement)
45. La Peche (Calme)
46. Le Yachting (Modere)
47. Le Bain De Mer (Mouvemente)
48. Le Carnaval (Leger)
49. Le Golf (Exalte)
50. La Pieuvre (Assez Vif)
51. Les Courses (Un Peu Vif)
52. Les Quatre-Coins (Joie Moderee)
53. Le Pique-nique (Dansant)
54. Le Water-Chute (Gracieusement)
55. Le Tango Perpetuel (Modere Et Tres Ennuye)
56. Le Traineau (Courez)
57. Le Flirt (Agite)
58. Le Feu D'Artifice (Rapide)
59. Le Tennis (Avec Ceremonie)
60. Obstacles Venimeux (Noiratre)
61. Crepuscule Matinal (De Midi) (Sans Grandeur)
62. Affolements Granitiques (Vivement)
63. Sa Taille (A Roland-Manuel)
64. Son Binocle (A Mademoiselle Linette Chalupt)
65. Ses Jambes (A Rene Chalupt)
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CD5
1. Gnossienne No.5
2. Gnossienne No.1
3. Gnossienne No.3
4. Gnossienne No.4
5. Gnossienne No.2
6. Gnossienne No.6
7. D'une Maniere Particuliere
8. Modestement
9. S'Inviter
10. En Y Regardant A Deux Fois
11. Passer (Version 2)
12. Encore
13. Prelude
14. Entracte
15. Final
16. Petit Ouverture A Danser
17. Je Te Veux
18. Poudre D'or
19. Le Piccadilly (La Transatlantique). Marche
20. Quadrille
21. Valse
22. Pas Vite
23. Mazurka
24. Un Peu Vif
25. Polka
26. Quadrille
27. Les Pantins Dansent
28. Marche Franco-Lunaire
29. Grande Ritournelle
30. Valse Du Mysterieux Baiser Dans L'oeil'
31. Grande Ritournelle
32. Cancan Grand-Mondain
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El enigma Scelsi
artículo de Javier Palacio
Casi no puede hablarse de Giacinto Scelsi en los términos al uso para los demás compositores, pese a ser uno de los más importantes e influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Algunos lo han situado más bien en el territorio de la mística, de una mística que entiende la música a manera de vía de comunicación con la esfera trascendental; de hecho, él siempre pensó que en sus improvisaciones al piano (su principal método de composición en algún periodo) resonaban ciertos influjos cósmicos, convirtiéndose de esta manera en canales de energía que unían nuestra realidad con otra superior. Quizá lo único que finalmente importe es que fue capaz de crear unas obras de abismal profundidad y al tiempo de exquisita sensualidad tímbrica, puente entre Oriente y Occidente, susceptibles de despertar enormes sugerencias en el oyente de nuestros días.
Giacinto Maria Scelsi, conde de Ayala Valva, nació en La Spezia el 8 de enero de 1905. Estudió composición y armonía en Roma, Viena y Génova. En París frecuentaría los círculos artísticos más avanzados, entablando amistad, entre otros, con Paul Eluard, Salvador Dalí o Henri Michaux. Pero estos años de formación no están sólo marcados por el influjo surrealista: el futurismo, el neoclasicismo, el ideario místico-musical de Alexander Scriabin y, en mayor medida todavía, el dodecafonismo, ejercen por entonces sobre él la mayor fascinación; a la vez, emprende extensos viajes por África y Asia que se demostrarían fructíferos en lo que se refiere a sus posteriores concepciones filosóficas y musicales. La década de los cuarenta está marcada por una profunda crisis nerviosa que le obliga a un largo periodo de internamiento. Scelsi atribuye la enfermedad a sus trabajos dodecafónicos; descubre no obstante que ésta va remitiendo a medida que toca una sola nota al piano durante horas, dejando que el sonido se desvanezca en el aire. En 1952 regresa a Roma, pues «Roma es la frontera entre Oriente y Occidente. Oriente comienza al sur de Roma y Occidente al norte. El límite pasa exactamente por el Foro. Allí se encuentra mi casa: esto sirve para explicar tanto mi vida como mi música». Vive apartado y en régimen casi ascético, pero organiza exposiciones de arte contemporáneo y entra en contacto con el grupo de compositores conocido como «Nuova consonanza», entre los que destaca Franco Evangelisti. Comienza a publicar su poesía en lengua francesa, que alcanzará los cuatro volúmenes.
A partir de 1953, Scelsi compone numerosas piezas para instrumentos de cuerda o de viento solos, al igual que para voz o piano (que abandonará en 1974, en beneficio de la «ondiolina», teclado eléctrico con clavijas y botones que permite diferenciar entre cuartos de tono, efectuar glissandi y ofrecer múltiples timbres). Ello responde tal vez a su deseo de concentrarse sobre una sonoridad, aislándola y explorando su profundidad, su «esfericidad»: «El sonido es redondo como una esfera, pero al escucharse no parece tener más que dos dimensiones, altura y duración - sabemos que existe una tercera dimensión, pero ésta se nos escapa de una u otra forma». Son años en los que, inspirado por la tradición hindú, el «sonido puro» y sus más ínfimas variaciones cromáticas pasan a convertirse en el centro de sus intereses, considerando la música como una fuerza cósmica y a sí mismo como el medio, el médium, que la transmite a un público por entonces quizás muy reducido, pero iniciado en sus preocupaciones. Scelsi graba sus improvisaciones al piano, la guitarra o las percusiones. Suponen en realidad una forma de meditación (que requiere la preparación del estado de ánimo adecuado mediante técnicas cercanas al yoga), gracias a las cuales puede entrar en sintonía con el latido del universo. Tales improvisaciones -composiciones «en tiempo real»- son después pasadas a la partitura y editadas, muchas veces al cabo de los años, por sus colaboradores, lo que ha generado más de un problema: algunos han querido atribuirse la paternidad de ciertas obras, si bien por su peculiar idiosincrasia no caben muchas dudas acerca de su verdadero creador.
Con Cuattro Pezzi para orquesta (1959), cada una sobre una única nota, alcanza Scelsi su madurez creativa. Esa obra integra múltiples investigaciones sobre el sonido y su «profundidad», sobre la escritura microtonal, sobre el timbre y las variaciones más sutiles de ritmo, altura e intensidad. A partir de este momento Scelsi compone piezas que, si bien pasan desapercibidas en el instante de su composición, se demostrarán fundamentales para comprender el decurso de la música de finales del XX: Cuarteto n 4 (1964), Canti del Capricorno (1962-1972) para voz femenina, Anahit (1965) para violín y dieciocho instrumentos, Pranam (1972-1973) para conjunto instrumental, obras para orquesta como Hurqualia (1960) o Hymnos (1963)... Giacinto Scelsi entraría en coma el 8-8-88 (fatídica fecha para quien siempre experimentara auténtico pavor ante esa cifra, el ocho, símbolo para él del infinito), falleciendo al día siguiente. Como es el caso de algunos escritores de marcada personalidad (J.D. Salinger o Thomas Pynchon, por ejemplo) deseosos de que el público focalice su atención exclusivamente sobre la obra y no sobre la vida del artista, de Scelsi tan solo existe una fotografía pública.
Hubo que esperar bastante, incluso décadas, para que algunas composiciones de Giacinto Scelsi, en especial las últimas para piano, encontraran intérpretes que se interesaran por ellas y las llevaran al disco. Pero la recepción de su obra ha cambiado radicalmente en la actualidad. En los últimos años el interés por su música no ha dejado de incrementarse, pudiendo por lo tanto descubrirse repartida por diversos sellos, entre los más importantes CPO, Col legno, Kairos o Mode (que está llevando a cabo, de momento, importantísimas integrales de su obra pianística y orquestal). Quien se acerque a estas grabaciones sin duda quedará cautivado por unas piezas a veces de elevada complejidad, para las cuales el léxico musicológico tradicional apenas se demuestra válido, debiéndose acudir en ocasiones al de la física cuántica y la relatividad, pero también de extraordinaria belleza e insondable lirismo. Capaces de alterar nuestra percepción del hecho sonoro y hasta nuestra concepción del tiempo, algo tienen también de elegante y turbadora interrogación frente al enigma existencial.
1-4. Aion (1961)
5-8. Pfhat (1974)
9-11. Knox-Om-Pax (1969)
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1. Klavierstück XII (Examen) (from the opera "Donnerstag")
2. Klavierstück XIII (Luzifers Traum) (from the opera "Samstag")
3. Klavierstück XIV (Geburtstags-Formel) (from the opera "Montag")
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Sinfonía (1969)
Compuesta para ocho voces divididas en dos cuartetos y orquesta, utiliza la técnica del collage para encontrar un balance entre el instrumento y la voz, la palabra cantada y la palabra hablada y la estructura del sonido en un todo. Por eso el título de la obra no se refiere a la forma sinfónica clásica, sino al sonido simultáneo de distintas partes. Se utiliza la voz en distintos grados de inteligibilidad (a veces sólo entendible por el oído experimentado) para esparcir un mensaje a través de citas de personajes célebres como Claude Lévi-Strauss, Samuel Beckett y James Joyce.
Esta obra está consta de cinco movimientos, que llevan al espectador por diferentes estados de intensidad comenzando por la calma del primer movimiento, alcanzando el clímax en el tercer movimiento y volviendo a la calma luego para alcanzar un balance con su quinto movimiento. El tratamiento de lo vocal en los movimientos uno, dos, cuatro y cinco de Sinfonia es similar en que no es perceptible como tal inmediatamente. Las palabras y sus componentes se someten a un análisis musical que es integral a la estructura de la vos y los instrumentos juntos.
El primer movimiento arranca con voces que emergen desde el silencio armónicamente, liberándose repentinamente en ráfagas de sílabas murmuradas y citas decompuestas de los trabajos de Claude Lévi-Strauss, acerca de los mitos Brasileños de los orígenes del agua. En el segundo movimiento Berio incluye su tema O King, donde las sílabas del nombre Martin Luther King son utilizadas como fonemas que van rotando en distintas notas para cada ciclo, llegando al momento final donde el nombre es dicho completo, pero incluso aquí es difícil entender qué es lo que se está diciendo.
El tercer movimiento es quizás el más famoso de esta pieza, resultado experimental de la mezcla de diferentes piezas musicales de diferentes épocas, citas textuales a diferentes grados de perceptibilidad y un expositor principal que lleva la atención del público a través de un río que no fluye tranquilamente, sino más bien como un torrente que repentinamente rompe en el grupo de cuerdas pero no para detenerse ahí, sino para seguir adelante en otra dirección. El tema musical principal de este movimiento es el scherzo de la segunda sinfonía de Mahler “Resurrección”, con el texto principal del libreto pertenece a Samuel Beckett de su novela “El Innombrable”, el resto son pequeños segmentos de música de diferentes compositores que se nombran más adelante.
Luego volvemos a la calma del cuarto movimiento, muy parecido al segundo, pero con menos agresividad de parte de la orquesta, que se mantiene contenida por debajo de un coro que va a la deriva. Y por último llegamos a la conclusión con un quinto movimiento que fue añadido por Berio un año después para alcanzar un balance en la obra. La textura instrumental es parecida a la del primer movimiento, y el texto una recopilación de los demás movimientos.
Sinfonia fue compuesta para el 125º aniversario de la Filarmónica de Nueva York, y dedicada a Leonard Bernstein, quien la dirigió en el estreno de su segunda versión en 1969. The Swingle Singers fue la agrupación vocal que se encargó de la parte vocal de esta pieza en su estreno.
Citas en Sinfonia
· Textos de la novela de Samuel Beckett El innombrable.
· Textos del ensayo de antropología Lo crudo y lo cocido de Claude Lévi-Strauss.
· Eslóganes usados en el Mayo francés.
· El movimiento base es el tercer movimiento (Scherzo: In ruhig fliessender Bewegung) de la Sinfonía nº 2 de Gustav Mahler.
· La cuarta pieza (Peripetie) de las Cinco piezas para orquesta Op. 16 de Arnold Schoenberg.
· El primer movimiento de la Sinfonía No. 4 también de Mahler.
· La Mer de Claude Debussy.
· El vals de Ochs de la ópera Der Rosenkavalier (El caballero de la rosa) de Richard Strauss.
· La Danza de la tierra del final de la primera parte del ballet La consagración de la primavera de Igor Stravinski.
· Agon ballet también de Stravinski.
· La valse de Maurice Ravel.
· El segundo movimiento de la Sinfonía No. 6 Pastoral de Ludwig van Beethoven.
· El segundo movimiento del Concierto para violín y orquesta "A la memoria de un ángel" de Alban Berg.
· Don de Pli selon pli de Pierre Boulez.
1. Sinfonia for 8 Voices and Orchestra - 1. I
2. Sinfonia for 8 Voices and Orchestra - 2. II. O King
3. Sinfonia for 8 Voices and Orchestra - 3. III. In ruhig fließender Bewegung
4. Sinfonia for 8 Voices and Orchestra - 4. IV
5. Sinfonia for 8 Voices and Orchestra - 5. V
6. Ekphrasis (continuo II) for orchestra
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La creación de la Historia del Soldado fue una respuesta de Stravinsky a un panorama desolado. En 1918 Europa y Rusia eran un mundo en guerra y Stravinsky se encontraba en Suiza en un exilio que se tornaba permanente. La ausencia de patrocinios que hasta entonces habían apoyado su creación artística en mancuerna con la compañía Les Ballets Russes y su director, Diaghilev, le impedía producir las últimas obras que había escrito: Reynard y Las Bodas. En esa situación sólo un genio del tamaño de Stravinsky no succumbe al desastre sino al contrario produce una obra maestra que toma una forma completamente nueva a lo que había hecho hasta entonces: la Historia del Soldado. Incluso es capaz de conseguir un patrocinio que le permite estrenarla antes del término de la guerra.
Tuvo una inspiración doble para crear esta pieza; unos cuentos folclóricos rusos, de un tal Afanassiev, basados en un soldado desertor que tenía tratos con el diablo, y el sueño de una gitana que amamantaba a su niño mientras tocaba en el violín la melodía semillera que se encuentra esparcida por toda la obra. Toma la forma de una obra de cámara, una ópera sin cantantes, para pocos actores y un puñado de instrumentalistas, que pudiera realizarse hasta en un escenario improvisado, de producción pobre y recursos limitados. Pero la riqueza de la música que contiene unos juegos de métrica muy complicados con inspiración de jazz y llenos de sobresaltos rítmicos inesperados, le da un carácter y una vida irresistibles.
Imágenes de desamparo y desgracia, de poderes místicos y fatales, de destinos ineludibles, de las tímidas e ingenuas ilusiones de los hombres, se combinan en esta versión miniatura de la leyenda de Fausto. Termina de manera ambigua, más bien pesimista -¿cómo pudo terminar de otra manera, por los tiempos que corrían? - pero la obra posee una magia especial que cautiva a quien la escucha o participa en ella, un amor por la vida que brota en medio de la tragedia misma. Stavinsky en el exilio y frente a la devastación del mundo pudo sondear las más profundas aguas de su ser para crear de sus recursos sin fin este tesoro de muchas facetas.
1. Histoire du soldat - Part 1 - 1. Marche du soldat - 2. Le soldat: "Voilà un joli en- droit"
2. Histoire du soldat - Part 1 - 3. Musique de la 1ère scène - 4. Le diable: donnez moi votre violon"
3. Histoire du soldat - Part 1 - 5. Marche du soldat - 6. Le soldat: "Bravo"
4. Histoire du soldat - Part 1 - 7. Musique de la 2ème scène - 8. Le soldat: Ah! Bri- gand!
5. Histoire du soldat - Part 1 - 9. Musique de la fin du 2ème scène - 10. Le lecteur: "il s'était mis"
6. Histoire du soldat - Part 1 - 11. Musique de la fin du 2ème scène - 12. Le diable: "Regarder, monsieur"
7. Histoire du soldat - Part 1 - 13. Musique de la troisième scène
8. Histoire du soldat - Part 2 - 14. Marche du soldat - 15. Le lecteur: "Un autre pays"
9. Histoire du soldat - Part 2 - 16. Marche royale - 17. Le lecteur: "On a fait marcher
10. Histoire du soldat - Part 2 - 18. Petit concert
11. Histoire du soldat - Part 2 - 19. Trois danses: Tango-Valse-Ragtime
12. Histoire du soldat - Part 2 - 20. Danse du diable
13. Histoire du soldat - Part 2 - 21. Petit choral
14. Histoire du soldat - Part 2 - 22. Couplet du diable
15. Histoire du soldat - Part 2 - 23. Grand choral
16. Histoire du soldat - Part 2 - 24. Marche triomphale du diable
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1-4. L'histoire du tango, tango cycle for flute & guitar
5-10. Études tanguistiques, for flute solo
11.Tango Suite for 2 guitars
12-16. 5 Pieces for guitar
17. Oblivion, tango
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1-3. Sonata en Sol menor para violín y piano
4-6. Sonata en Re menor para cello y piano
7. Syrinx para flauta sola
8-11. Sonata para flauta, viola y arpa
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